Call for Papers 2023
“Vestir” la Escena: la Historia del Vestuario Teatral
 “La política del vestido es primordial en el discurso pues ropas y decoraciones actúan como símbolos que iluminan el proceso de auto creación de un individuo en su contexto sociocultural”.

El cuerpo vestido y la construcción de la identidad en las narrativas autobiográficas del Siglo de Oro. 
José Ortega y Gasset.

El vestido tiene dos posibles significados, el de resolver la necesidad utilitaria de cubrirse, apegado a la realidad de la época y a la anatomía que hay debajo de esa epidermis artificial. Por otro lado, existe un significado cultural, en el que el traje deja de ser un vestido en sí mismo y se convierte en una representación simbólica de ficción, en la que el ser humano se convierte en intérprete de algo totalmente diferente, que puede ser utilizado para la recreación de personajes ficticios y facilitar una conexión emocional, en el ámbito de las representaciones teatrales primarias. 

La Antigüedad es el origen de los géneros dramáticos griegos, a los que se les abrió la puerta a dicha expresión plástica, especialmente a través del más libertario género satírico, fusionado en el satírico pastoril, ya en la Edad Moderna. Es precisamente en esta época cuando se inicia un amplio desarrollo, en el marco genérico del Renacimiento, siguiendo el impulso de las fiestas y los Misterios medievales, en el que, junto a la revalorización del diseño creativo, como traducción de la idea especulativa, se crea el diseño figurativo o de vestuario, como parte integrante de las disciplinas de la Historia del Espectáculo y de las Artes Escénicas, controladas en última instancia por el Escenógrafo, en una fórmula de exaltación hasta el paroxismo del vestuario barroco. 

El modelo del traje, como elemento de control doctrinario en el marco de lo lúdico o “lúdica” del poder, se mantuvo vigente hasta la explosión de las Vanguardias, cuando el trasfondo emblemático del traje comenzó a ser cuestionado y subordinado a una apreciación puramente subjetiva, per se, como el resto de las artes plásticas y su consiguiente metamorfosis.  El traje escénico, expresamente, como parte de la visualización iconográfica, trasciende su carácter particular para convertirse en testimonio en forma de crónica histórica, registro del gusto de una época y parte sustancial del Patrimonio Histórico-Artístico, que debe ser investigado con rigor historiográfico.

A finales del siglo XIX y principios del XX, los pintores expresamente se interesaron por el diseño del vestuario teatral. Sus bocetos eran como una visualización gráfica del personaje literario. De este modo, los pintores ayudaban a los actores en la creación del papel porque en el boceto del vestuario había sugerencias sobre el maquillaje y los gestos, sobre la expresividad de los sentimientos y los estados de ánimo. 

En el siglo XX, el diseñador de vestuario apoyaba estrechamente el trabajo del director y el coreógrafo. Colaboraron en el proceso de creación del traje, para que fuera funcional con la acción interpretativa, práctico para el actor que lo llevaba y comunicara inmediatamente al público la condición social y psicológica del personaje. En este sentido, el descubrimiento del cuerpo en la dirección teatral revolucionó la forma de imaginar el vestuario escénico; a veces, los cuerpos de actores y bailarines se pintaban como si estuvieran cubiertos por una prenda.

En el siglo XXI, las nuevas tecnologías digitales han creado producciones teatrales con actores y vestuario virtuales, diseñados mediante gráficos en 3D y técnicas de inmersión en realidad virtual. Sólo recientemente, los investigadores se han centrado también en el traje teatral como bien cultural que hay que proteger, preservar y mejorar porque forma parte del llamado Patrimonio Cultural Inmaterial. En muchos países europeos no existen museos dedicados al vestuario escénico, ni siquiera museos nacionales de teatro (por ejemplo, en Italia), aunque hay muchos institutos y fundaciones privadas que conservan estos bienes culturales y a veces los exhiben en exposiciones temporales. 

La creación de bases de datos y plataformas dedicadas a las Artes Escénicas ha planteado la cuestión de la correcta catalogación del vestuario escénico. Es un elemento de la representación y debe catalogarse no como una prenda de vestir, sino como una parte más, integrante de toda la producción teatral.

Lista de temas:
– La indumentaria en la Antigüedad: Los géneros dramáticos griegos. Ludus (Mimos, Pantomimas) y otras celebraciones romanas (Saturnalias).
– Fiestas medievales. Misterios, Juglares y Torneos.
– El traje teatral en las fiestas y espectáculos de los siglos XV al XVII.
– El vestuario teatral trágico y cómico en la época del Neoclasicismo y Romanticismo.
– El “tranche de vie” y el vestuario escénico en las producciones teatrales Naturalistas y Realistas.
– El traje escénico en la Historia de la Danza.
– El Modernismo y las Vanguardias: pintores y vestuario escénico.
– La fotografía del traje escénico.
– Vestir al personaje: del oficio de modista al arte iconológico del tejido para el vestuario escénico.
– La relación entre el director teatral y el figurinista.
– La piel en el actor: el traje escénico y el cuerpo desnudo en la escena del siglo XX.
– Las nuevas tecnologías digitales y el vestuario escénico: de la producción a la conservación y catalogación.

Se ruega enviar el título de las propuestas (máximo 80 caracteres incluyendo espacios) con un resumen (máximo 1500 caracteres incluyendo espacios) y una breve nota bio-bibliográfica antes del 3 de Febrero de 2023 a la siguiente dirección de correo electrónico editorial: staff.aspa@gmail.com
La redacción notificará al autor la aceptación de su propuesta correspondiente como máximo, el3 de Marzo de 2023.

La fecha final de entrega del artículo completo será el 5 de Junio de 2023.
Dicho artículo deberá tener entre 35.000 y 40.000 caracteres, espacios incluidos.

Los artículos en cuestión podrán estar redactadas en italiano, español, inglés, francés y ruso e ir acompañadas de un máximo de 8 ilustraciones (300 Dpi). En caso de derechos de autor, el autor deberá adjuntar una resolución para su publicación.

Se ruega a los autores que se atengan estrictamente a las normas editoriales, que recibirán en cuanto se les notifique la aceptación de su propuesta. 

No se tendrán en cuenta los artículos que no cumplan las normas editoriales exigidas.

Todos los artículos se someterán a una revisión por el sistema de dobles pares ciegos.

Call for Papers 2023

“Vestire” la Scena: la Storia del Costume Teatrale

L’abito è un vestimento che ha la funzione di coprire il corpo di un essere umano. A secondo dei luoghi e delle epoche storiche esso muta foggia, fattura, stile e, per tessuto e decorazioni, convenzionalmente designa il rango e il ceto sociale della persona che lo indossa.

Il costume di scena non è un abito, ma un elemento costituente dello spettacolo come la scenografia, la musica, la luce. Esso ha la funzione di comunicare emozionalmente e con immediatezza allo spettatore le caratteristiche storiche, culturali e sociali, o simboliche, mitologiche e fantastiche del personaggio.

Questo abito, che l’attore indossa, si congiunge indissolubilmente al suo corpo nel gioco recitativo per esprimere plasticamente stati d’animo ed emozioni. In alcuni casi esso ha avuto una funzione liberatoria e trasgressiva tanto, da mettere a nudo il corpo dell’attore che, a volte, è coperto solo da decorazioni dipinte.

Dall’antichità all’era contemporanea pittori, scenografi e, in seguito, costumisti hanno visualizzato  la personalità, le pose e l’animo del personaggio trasformando il figurino del costume, corredato da acconciature e accessori, in una sorta di visualizzazione grafica della parte. 

Gli schizzi e i costumi di scena di produzioni teatrali del passato sono documenti e testimonianze concrete di un Patrimonio Culturale, che deve essere non solo tutelato e conservato, ma anche studiato con rigore metodologico.

In molti paesi europei non esistono musei dedicati al costume di scena e nemmeno musei teatrali nazionali (ad es. in Italia), anche se esistono molti istituti e fondazioni private, che conservano questi beni culturali e talvolta li espongono in mostre temporanee. 

La creazione di banche dati e piattaforme dedicate alle Arti dello Spettacolo ha posto il problema della corretta catalogazione del costume di scena, perché è necessario catalogarlo non come fosse un vestimento antico o contemporaneo, ma come parte integrante dell’intera produzione teatrale.

Elenco degli argomenti:

• L’abbigliamento nell’antichità: generi drammatici greci. Ludus (Mimi, Pantomimi) e altre celebrazioni romane (Saturnali).
• Feste medievali. Misteri, Menestrelli e Tornei.
• Il costume teatrale nelle feste e negli spettacoli dal XV al XVII secolo.
• I costumi teatrali tragici e comici al tempo del Neoclassicismo e del Romanticismo.
• La “tranche de vie” : i costumi di scena nelle rappresentazioni teatrali realistiche.
• Il costume di scena nella storia della danza.
• Modernismo e Avanguardie: pittori e costumi di scena.
• La fotografia del costume di scena.
• Vestire il personaggio: dal mestiere di sarta all’arte iconologica del tessuto per i costumi di scena.
• l rapporto tra il regista teatrale e il costumista.
• La pelle dell’attore: il costume di scena e il corpo nudo sulla scena del ‘900.
• Nuove tecnologie digitali e il costume di scena: dalla produzione alla conservazione e alla catalogazione.

Si prega di inviare il titolo del contributo (max 80 caratteri spazi inclusi) con relativo abstract (max 1500 caratteri spazi inclusi) e una breve nota bio-bibliografica entro il 3 Febbraio 2023 al seguente indirizzo di posta elettronica della redazione: staff.aspa@gmail.com

L’autore riceverà la notifica dell’accettazione del contributo da parte della redazione editoriale entro il

3 Marzo 2023.

La data di consegna del contributo è fissata per il 5 giugno 2023.

L’articolo dovrà essere compreso tra i 35.000-40.000 caratteri, spazi inclusi.

I contributi possono essere scritti in italiano, spagnolo, inglese, francese e russo ed essere corredati da un max di 8 illustrazioni (300 Dpi). In caso di copyright l’autore dovrà allegare una delibera per la pubblicazione.

Agli autori è richiesto di seguire con attenzione le norme editoriali, che riceveranno all’atto della notifica di accettazione della proposta. 

Non saranno tenuti in considerazioni gli articoli che non ottempereranno alle norme editoriali richieste.

Tutti gli articoli saranno sottoposti al double blind peer review.

ISSN 2421-2679
Call for Papers 2023
“Dressing” the Stage: the History of the Theatrical Costumes

The dress is a garment, which covers the body of a human being. Depending on the countries and historical eras, it changes shape, workmanship, style and thanks to the quality of the fabric and decorations it conventionally designates the rank and social class of the wearer.

The stage costume is not a dress, but a constituent element of theatrical production such as scenography, music, light. Its function is to emotionally and immediately communicate to the audience the historical, cultural and social characteristics, or symbolic, mythological and fantastic features of the character.

This garment is inextricably linked to the actor’s body in the recitative game to plastically express moods and emotions. In some cases it  had a liberating and transgressive function so much as to bare the actor’s body which, at times, is covered only by painted decorations.

From antiquity to the contemporary era, the painters, set designers and, later, costume designers visualized the personality, poses and soul of the character. In this manner the sketch of stage costume, complete with hairstyles and accessories, transformed into a sort of graphic display of the part.

The sketches and stage costumes of past theatrical productions are concrete documents and materials of the Intangible Theatrical Cultural Heritage, which must be protected, preserved and studied with methodological rigor.

In many European countries there are no museums dedicated to stage costumes and not even national theatre museums (e.g. in Italy), even if there are many institutes and private foundations which conserve these cultural assets and sometimes show them in temporary exhibitions.

The creation of databases and platforms dedicated to the Performing Arts raised the problem of correctly cataloguing the stage costume, because it is necessary to catalogue it not as an ancient or contemporary garment, but as an integral element of the entire theatrical production.

The list of topics:

– Clothing in Antiquity: The Greek Dramatic Genres. Ludus (Mimes, Pantomimes) and other Roman celebrations (Saturnalias).
– Medieval festivals. Mysteries, Juglers and Tournaments.
– The theatrical costume in the festivals and spectacles from the Fifteenth to the Seventeenth century.
– Tragic and comic theatrical costumes in Neoclassicism and Romanticism era.
– The “tranche de vie” and the stage costume in the Naturalist and Realist theatrical productions.
– The stage costume in the history of dance.
– Modernism and the Avant-garde: painters and stage costumes.
– Photographing the stage costume.
– Dressing the character: from dressmaking office to the iconologic art of weaving for stage costumes.
– The relationship between stage director and costume designer.
– The skin on the actor: the stage costume and the naked body on the stage of the twentieth century.
– New digital technologies and stage costumes: from production to conservation and cataloguing.

Please, send the title of the proposed paper (max 80 characters spaces included) along with an abstract (max 1500 characters spaces included) and brief bio-bibliographical note to the editorial board by February 3, 2023 at the following email address: staff.aspa@gmail.com

The editorial board will notify the acceptance of the papers by March 3, 2023.

Accepted papers are to be sent to the editorial board no later than June 5, 2023. The article should not exceed 35.000-40.000 characters, spaces included. 

The accepted languages are Italian, English, Spanish, French and Russian.
Up to 8 images at a resolution of 300 Dpi can be included. It is the author’s responsibility to obtain written permission for publication of any images that are copyright protected. Written permission must be submitted with the article.  
The authors will be asked to follow the editorial requirements, which will be sent on approval of their proposal. 

Papers that do not meet the required editorial standards will not be considered.
The articles received will be subjected to double blind peer review.